Guía Encerrados Afuera para pasarla bomba en el Festival de Mar del Plata 2014™, parte 2

Algunos de estos textos, fueron publicados en el Catálogo del 29 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
Parte 1 de la Guía: http://encerradosafuera.com.ar/guia-encerrados-afuera-para-pasarla-bomba-en-el-festival-de-mar-del-plata-2014/

HAEMOO
Haemoo es la primera película como director de Shim sung bo, quien supo destacarse como guionista de Memories of Murder (2004), de Bong Joon Ho (quien, es a su vez productor y co- guionista de este film). En Haemoo, un grupo de pescadores asolados por la crisis económica, se ven obligados a llevar a cabo un trabajo ilegal, algo que los conducirá a una situación tan violenta como desesperada.
El director Shim sung bo, desarrolla su historia con una tranquilidad y seguridad que remiten al cine clásico, tomándose el tiempo necesario para mostrarnos el desarrollo de los personajes y su relación con el hostil entorno en donde pasan sus vidas y días de trabajo. El cine de género, aunque se trate de in género difuso, sigue siendo la mejor herramienta para describir los malestares de una sociedad y Haemoo es una muestra de esto. Una forma de entender (y utilizar) el cine cada vez más lejana.

MAÏDAN
Después de dos largometrajes de ficción, realizados en las antípodas de sus previos trabajos como documentalista, Sergei Loznitsa vuelve al documental, un género del cual es uno de sus más notables referentes. En Maïdan se cuenta la historia de la rebelión civil ocurrida en Kiev (Ucrania), durante el invierno del 2013 y que supo extenderse hasta el mes de febrero del año 2014. La manifestación, de medio millón de personas, comienza pacíficamente, para luego ser brutal y sangrientamente reprimida por la policía antimotines, provocando, finalmente, la caída del régimen del presidente Yanoukovitch.
Loznitsa elige filmar la crónica de estos días, de manera contemplativa, mostrando a las multitudes siempre en planos generales, con la cámara ubicada en el lugar justo y así logra hacer realidad (cinematográfica) el viejo sueño del cine ruso de transformar al pueblo en héroe y protagonista absoluto. Una manera perfecta de registrar -también- el paso inevitable de la historia.

LISTEN UP PHILIP
Luego de una humilde consagración como director con la notable (y recatadamente independiente) The Color Wheel, y de su paso como actor por ese experimento meta-cinematográfico que fue La última película (en donde interpretaba a un director norteamericano a la deriva por tierras mexicanas), Alex Ross Perry dirige su película más ambiciosa. Listen up Philip es un film sobre varios escritores, pero ante todo, sobre uno en particular: Philip Lewis Friedman (interpretado por Jason Schwartzman), un díscolo novelista a punto de dar el salto a la fama con su segunda novela. El espíritu de otro Philip (Roth), sobrevuela todo el film y no sólo desde el título. Los problemas sociales (y las eternamente complicadas relaciones amorosas) que generan la escritura, y no tanto la problemas que conlleva la creación, será la obsesión que llevará a Philip a un destino de grandeza literaria y oscurantismo social. Pero como en toda buena novela, no es tanto el desenlace lo importante, sino el desarrollo de los diferentes capítulos, que inevitablemente conducirán a nuestro héroe a un lugar donde habitan (entre otros) los fantasmas de Thomas Pynchon y Daniel Foster Wallace.

A HARD DAY
A hard day es un verdadero relato salvaje. Sin necesidad de golpes bajos, excepto los que se proponen sus – maltratados- protagonistas, y con una creencia absoluta en el cine como una maquinaria narrativa; en donde su trama, un accidente automovilístico y sus inesperadas consecuencias, paradójicamente (también a causa de su perfecta ejecución) se termina transformando en una simple excusa.
Sin embargo, lejos estamos de una película que prefiera la teoría sobre la acción. Aquí ocurre todo lo contrario. En A hardday hay explosiones, peleas, persecuciones en auto, policías corruptos, inocentes culpables (o viceversa), botines inesperados, tiros y accidentes de todo tipo. A hard day (título engañoso) demuestra una vez más que el cine de género, el que lo demuestra con sus imágenes y no desde discursos, sigue siendo una de las esperanzas del cine actual.

MANGE TES MORTS
Jason (de 18 años) pertenece a una comunidad de gitanos. Está a punto de celebrar su bautismo, cuando su medio hermano Fred regresa a casa después de quince años de prisión. Junto a un tercer hermano, el violento Michael, y su primo un cristiano practicante, los cuatro jóvenes deciden realizar un robo. Mange tes morts, es la segunda película del director franco / belga Jean -Charles Hue, quien con su mezcla de cine de género y actores no profesionales, continua un estilo de trabajo iniciado en su opera prima La BM du Seigneur (vista en el festival en la edición del año 2011).
El director Hue, utiliza para sus ficciones, personajes y sociedades a los márgenes e historias que recrean (de manera única y particular) las constantes de los géneros cinematográficos, creando película a película una filmografía que, al igual que sus protagonistas, desconfía de la sociedad y las buenas costumbres preestablecidas.

EPISODE OF THE SEA
El cine y la pesca, al menos en su forma más artesanal, parecen ser profesiones a punto de extinguirse. Esto es lo que plantean el dúo de realizadores holandeses Lonnie van Brummelen y Siebren de Hann. En Episode of the sea, su segunda película, los directores pasaron dos años acompañando (y colaborando) a los habitantes de un pueblo de pescadores en la remota isla de Urk. Un lugar que, de tan único y particular, no solo por sus costumbres anacrónicas, sino también por el distintivo dialecto que hablan sus pobladores; corre el riego de desaparecer o peor aún, transformarse a pedido de los gobernantes de turno y la economía imperante, en otra cosa.

EL ACTO EN CUESTIÓN
Cuando Alejandro Agresti filmó El acto en cuestión, ya había realizado varias películas, algunas en Argentina, otras en Holanda; y su filmografía en calidad y extensión superaba a la de sus contemporáneos (y no sólo a los locales). Pero nada hacia prever la imaginaria biografía del mago Quiroga (interpretado por un inolvidable Carlos Roffe, uno de los mejores y más secretos actores argentinos) y su sorprendente mezcla de universos, sacados del cine y la literatura (o, mejor dicho: los libros). En la historia extraordinaria de ascenso y caída del Fu Manchú de Barracas, se cruzan Borges, Bioy Casares, Gardel, Spinneta y Cortazar, con Orson Welles, Raúl Ruiz, y miles de influencias combinadas de las maneras más originales, para crear una película tan virtuosa como emotiva. El acto en cuestión, debería ser nuestro El ciudadano, una parábola sobre la creación y una muestra hilarante de muchas de las taras de los argentinos, y sin embargo (paradójicamente y como también le ocurre a un sufrido niño durante la historia), la película se perdió en el éter. Con el estreno, mejor dicho, (la re-aparición) de la película en el Festival de Mar del Plata, el truco se completa. Y a pesar de los años pasados -lo podrán comprobar los espectadores- la magia sigue intacta.

ITALIA ALTERADA: 7 ½ (SIETE Y MEDIO)
A pesar de que Italia y su cine son -en parte- responsables y fundadores de la mitología de la cinefilia en la Argentina, en décadas pasadas y nunca olvidadas por los más melancólicos, es poco lo que sabemos hoy del cine proveniente de ese país. Aunque si somos sinceros, es poco lo que se sabe de todas las cinematografías mundiales, con la excepción que todos conocemos y no merece ser aquí nombrada. El cine italiano no sólo fue el responsable de formar a generaciones enteras de cinéfilos, sino también de introducir el concepto de modernidad en la historia del cine. Basta nombrar a míticos autores como Federico Fellini, Roberto Rossellini y Michelangelo Antonioni.
El cine comercial de Italia, hoy en día atraviesa su correspondiente crisis. Algo que ocurre, con sus respectivas variables, en todas partes del mundo. No hay aquí, nada interesante o relevante más que para los estudiosos de la taquilla y sus caprichos. Sin embargo, y como también suele suceder en otras geografías, es en las periferias, en los bordes, lejos de las industrias y sus manufacturados productos, en donde realmente ocurren otras cosas. En esas zonas, nunca muy a la vista, es donde se ubica Italia Alterada. Continuación de un recorrido incierto iniciado con España y luego seguido por Portugal. Los directores y las obras que se presentan en esta sección, escapan a las convenciones y tratan al cine como un arte en constante cambio y no en una serie de formulas a repetir. Documentales que se regodean con la ficción, ficciones creadas con los más inmediatos elementos de la realidad y también encendidas denuncias de una política transformada en una parodia de sí misma. El espíritu de modernidad de los populares directores nombrados anteriormente, sigue vivo en estos autores secretos. Que esto sea así, es uno de los signos de este tiempo. Italia Alterada es un humilde (y prepotente) aporte para que esto cambie.

ALEKSEI GERMAN
Aleksei German nació en el año 1938 en la ciudad de Leningrado (hoy San Petersburgo), Rusia y murió en el 2013, poco antes de poder terminar su última película Hard to be a god (Trueno byt bogom), obra que le demandaría los últimos 15 años de su vida y que sería finalizada por su hijo, el también cineasta Alexei German Jr y su mujer y guionista Svetlana Karmalita. En 46 años de carrera, German realizó solamente 6 películas y su nombre, a diferencia de algunos de sus colegas y compatriotas ( entre ellos Andrei Tarkovsky, Kira Muratova y Nikita Mikhalkov, quien más que colega, parece ocupar el lugar de Némesis en la vida y carrera de German), su obra sigue siendo relativamente desconocida.
Los motivos o especulaciones para explicar esto son muchas. Algunas sostienen que para entender sus películas hay que tener un conocimiento de la historia de Rusia. Este argumento surge del hecho de que todas las películas de German están ambientadas en el pasado y un momento de relevancia histórica para dicho país. Pero, según el crítico y cineasta Maxim Pozdorovkin, los filmes de German tratan sobre el pasado de Rusia, pero no su historia, algo que el director veía como “un proceso sin fin de degradación, abuso y humillación”. Quizás la mezcla de esa pasado de recuerdos personales y el desprecio por la realidad histórica, haya sido la clave de su obra. También , otro crítico -y guionista-, el norteamericano Larry Gross, da cuenta de esta particularidad al hablar de Khrustalyov, my car!: “es demasiado larga, repetitiva, con un lenguaje crudo y un humor vulgar, horriblemente violenta y a veces casi incomprensible. También es una de las pocas obras maestras indiscutibles del cine mundial realizada en los últimos 40 años”.
Otro argumento se refiere a los vaivenes políticos. German siempre se declaró en público como apolítico (algo que su cine y su vida desmienten), pero a pesar de esto, su obra casi siempre tuvo problemas de censura, lo que a veces llevó a que sus películas sean estrenadas años después de ser realizadas. Su cine, a pesar de haber gozado de cierta popularidad, estaba destinado a perdurar. Y German, por suerte, lo sabía: «Nuestro cine fue siempre un cine de propaganda y de vulgarización de decretos, no un cine sincero. Es por eso que la gente no va más a verlo. Nuestro cine imita los filmes norteamericanos, lo que es estúpido, o intenta verdaderamente decir algo pero se hace pomposo y la gente, que percibe eso, ha perdido su confianza e interés. Estoy seguro que la gente irá a ver mis películas, si no lo hacen ahora, lo harán dentro de cinco o siete años». Para explicar su relación con la política, solo basta (como suele ocurrir ) una anécdota. Al poco tiempo de terminar Khrustalyov … German recibió un premio entregado por el mismísimo Valdimir Putin, sin embargo, al llegar el momento del estreno de la película, no logró el apoyo oficial para realizar las copias correspondientes, hasta que la aparición de un productor francés solucionó el problema.
Parafraseando a un escritor argentino, podríamos decir que German fue un genio, en el sentido más ruso de la palabra. Pozdorovkin, nuevamente, decía que German era el más ruso de los directores y un grande, pero que solo sus compatriotas lo sabían. Quizás ese haya sido el único problema de Aleksei German, el de haber sido un gigante en una tierra de gigantes.
Exhibir al público la obra de un cineasta como German (y al hacerlo, cumplir con su profecía), no es una de las tareas de los festivales de cine, es una de sus obligaciones.

CLAIRE DENIS
Desde su debut con Chocolat (1988), hasta Les salauds (2013), su último largometraje -por ahora-, la carrera de Denis ocupa un lugar de relevancia en la historia del cine. Su obra, personal y solitaria , parece no encontrar referentes en un, cada vez más, deslucido panorama de la cinematografía actual.
Nacida en París y criada en diferentes lugares de África, debido al trabajo de su padre, Denis inicialmente estudió la carrera de economía, para abandonarla e ingresar en la prestigiosa IDHEC (Institut des Hautes Etudes Cinématographiques). Tras graduarse, trabajó de asistente de directores como Dusan Makavejev, Jim Jarmusch y Wim Wenders. Datos autobiográficos que más tarde encontrarían eco en su obra.
El crítico australiano Adrian Martin supo describir el arte de Denis como: “Un cine de deriva, pero sin nostalgias por las piezas originales que quedaron atrás en ese fluir incesante.”
A la eterna pregunta cinéfila sobre qué es el cine (moderno o no), una de las posibles respuestas se encuentran en el nombre y la obra de Claire Denis.
Recomendadas: Beau travail, Trouble every day, L’intrus, White material.

ALFRED HITCHCOCK
Si el futuro del cine se encuentra en su pasado, la restauración de películas es una apuesta al futuro, al cine y a las nuevas generaciones de espectadores y cinéfilos. Continuando un trabajo de colaboración iniciado el año pasado con el British Film Institute y el British Council, el Festival de cine de Mar del Plata vuelve a la obra del maestro Alfred Hitchcock y su periodo de películas mudas. Esta vez el ciclo de rescates continua con Downhill (1927), The Farmer’s Wife (1928) y The Manxman (1929), tres títulos que forman parte del proyecto de restauración y rescate de copias más grande y complejo emprendido hasta la fecha por el Archivo nacional del British Film Institute. Una tarea que incluyó la remoción de décadas de daños y desgastes, el mejoramiento en la nitidez de la imagen y la recuperación de nuevas tomas e inter-títulos. El BFI empleó elementos de de siete archivos internacionales en el proceso de restauración, siempre a partir de las mejores copias disponibles, pero fueron los materiales del Archivo Nacional del BFI -que incluyen muchos de los negativos originales- los que desempeñaron un papel fundamental en el proyecto.